Intervju med ÄNGLAGÅRD av Gunilla Härefelt.

anglagard_intervjuweb

Änglagård bildades i Stockholm sommaren 1991 av gitarristen och sångaren Tord Lindman och basisten Johan Högberg (numera Brand). De satte upp en lapp på väggen till skivaffären Mellotronen där de efterlyste musiker som var intresserade av att spela musik med rötterna i 1970-talets progressiva rock. Keyboardisten Thomas Johnson och gitarristen Jonas Engdegård hörde av sig, och snart anslöt sig även Mattias Olsson på trummor och Anna Holmgren på flöjt. Under 1992 gjorde bandet några spelningar i Sverige och gav ut det kritikerrosade albumet ”Hybris”. Året därpå följde en turné i bl.a. Sverige, Norge, USA och Mexico. Bandets andra album ”Epilog” – även det rosat av kritikerna – släpptes 1994. Änglagård gjorde ett sista framträdande på Progfest i Los Angeles 1994 och kort därefter upplöstes gruppen. Ett livealbum – ”Buried Alive”- gavs ut hösten 1994.

Sedan dröjde det ända till år 2002 innan bandet började spela ihop igen, dock utan Tord Lindman. Man gjorde några spelningar i Europa och USA 2003, därefter var det återigen tyst i flera år. Medlemmarna fortsatte dock att komponera musik.

År 2011 började bandet repa lite mer regelbundet igen, och 2012 gjorde man några framträdanden i Sverige, Portugal, Frankrike och USA. Albumet ”Viljans Öga” släpptes i juni 2012. Under 2013 spelade gruppen tre kvällar i rad tillsammans med The Crimson ProjeKCt i Japan. Albumet ”Prog på Svenska LIVE” spelades in i samband med detta och släpptes 2014. Tord Lindman var nu tillbaka på gitarr och sång.

Under 2013, 2014 och 2015 har bandet turnerat flitigt i bl.a. olika europeiska länder, samt i Japan, Mexico och USA. Medlemmarna har skiftat lite genom åren. Nuvarande medlemmar är: Anna Holmgren – flöjt, saxofon och mellotron, Johan Brand – bas, Tord Lindman – gitarr och sång, Erik Hammarström – trummor och percussion, Linus Kåse – keyboards och saxofon samt Jonas Engdegård – gitarr.

 

I samband med King Crimsons konsert i Stockholm den 31 september träffade jag Anna, Jonas, Tord och Johan och fick en pratstund med dem.

  1. Änglagård gjorde ju succé under sin världsturné 2015 och är bokade igen på bl.a. kryssningen Cruise to the Edge i februari 2017. Bandet kommer att vara headliner på ROS-fest 2017 och dessutom har det bildats en ny internationell fan-club. Hur kommenterar ni detta?

Ja, det är ju jättekul förstås! Märkligt nog har vi alltid varit större utomlands än i Sverige. En bidragande orsak är framväxten av Internet. Musiken är helt enkelt mer tillgänglig. En annan anledning till att populariteten har ökat är att vi har spelat mycket live på olika festivaler. Då når man ut till nya lyssnare.

  1. Hur går det till när ni komponerar och arrangerar musik?

Ofta går det till så att någon presenterar en musikalisk idé – kanske bara ett tema eller kanske en hel komposition – sedan jobbar vi tillsammans med materialet tills vi är nöjda. Änglagård har en stor fördel i och med att alla medlemmar komponerar. Vi försöker träffas och repa ungefär en gång i veckan.

  1. Det har ju varit tyst från Änglagård långa perioder och sedan har bandet plötsligt återuppstått vid några tillfällen. Vad har du/ni gjort under tiden bandet har legat nere? Egna soloprojekt? Spelat i andra konstellationer? Jobbat med annat?

De viktigaste anledningen är nog att medlemmarna har varit upptagna med andra livsprojekt såsom studier, jobb och familj. Tord har bl.a. jobbat inom filmbranschen och som elektriker, Anna och Johan har båda jobbat inom fotobranschen, Anna är numera flöjtlärare och Johan har jobbat som fritidsledare inom skolan. Jonas har jobbat i databranschen. Flera av oss spelar eller har spelat i andra konstellationer. Johan håller sakta på med ett eget soloprojekt. I detta ingår även Änglagårds oroginal-keyboardist Thomas Johnson. Även Anna har planer på ett soloprojekt så småningom. Både Anna och Johan har tidigare bl.a. jobbat ihop med Thieves Kitchen.

  1. När kommer nya plattan?

Vi har en del nytt material och planerar att gå in i studion våren 2017. Eventuellt kommer en singel att släppas innan det blir ett helt album. Änglagårds första officiella live-DVD spelades in i Norge 2015 och den kommer att ges ut lagom till Cruise to the Edge 2017. Vi kommer även att spela en del ny musik på kryssningen.

  1. Blir det några konserter i Sverige framöver?

När det gäller Sverige så är vi än så länge bara bokade för en konsert i Göteborg den 4 mars (”Musikens Hus Goes Progressive”, i GARF:s regi).

När det gäller utlandet så är det klart med Cruise to the Edge (Florida – Mexico) den 7 – 11 februari, Quebec den 5 maj, ROSfest och Pennsylvania den 7 maj. Vi skulle gärna göra fler spelningar i Sverige om vi får kontakt med en bra arrangör. Även musiker behöver ha betalt för sitt jobb, och det är också viktigt att vi har tillgång till den utrustning vi behöver vid våra spelningar.

  1. Vilka är era främsta musikaliska inspirationskällor?

Tord berättar att han har sina rötter till stor del i den svenska vistraditionen och proggen med artister som Cornelis Wreeswijk, Pugh Rogefeldt, Ulf Lundell m.fl. Han nämner även grupper som Henry Cow som inspirationskälla. Johan har sina rötter i den klassiska hårdrocken men började tidigt att lyssna på progressiv rock genom sina äldre systrars trevliga vinylsamlingar. Han lyssnar framförallt på jazz och progressiv rock, och hämtar inspiration från t.ex. Magma, tidiga King Crimson, John Coltrane och Miles Davies. Anna berättar att hon på 1990-talet lyssnade mycket på bland-band med prog som Johan till stor del försåg henne med. Jonas lyssnade mycket på grupper som King Crimson, Genesis och Yes i tonåren, men har även lyssnat på mycket klassisk musik, från 1700-talet till nutida musik.

  1. Eftersom vi är på en King Crimson-konsert: Vilken betydelse har King Crimsons musik haft för dig/er?

King Crimson har varit en viktig inspirationskälla för oss alla. Konserten var helt fantastisk! Musiken låter fortfarande fräsch och vital, och de tre slagverkarna gav en helt ny dimension till musiken.

  1. Slutligen: Hur beskriver man Änglagårds musik för någon som aldrig har hört er tidigare?

Musiken är elektrisk-akustisk med rockelement och många olika influenser. Det är många tvära kast, men vi strävar efter att övergångarna ändå skall kännas naturliga.

 

Jag tackar för pratstunden och önskar Änglagård lycka till i fortsättningen!

Gunilla Härefelt

Intervju: Nalle Påhlsson – Royal Mess

Nalle Påhlsson intervjuad av Andy Flash:
Foton från Royal Mess:

Nalle Påhlsson

Varför tog det över 30 år att göra ditt solo album?

– Jag har såklart tänkt på det många gånger genom åren. Jag har nog bara ”tuffat på” och lagt dom tankarna åt sidan. Jag har haft så mycket att göra ändå. Och hade musikbranschen sett ut på samma sätt idag som den gjorde på 80- och 90-talet så hade jag nog aldrig fått chansen att göra en egen platta. – Som frilansande musiker som figurerade bakom bolagens artister så luktade man väl inte pengar direkt ! Idag är det lättare. I stort sett vem som helst kan spela in och ge ut en platta – På gott och ont förstås. Men jag ser det som att det blivit bättre. Man har fått en större artistisk frihet istället för att, som då, när man hade skivbolagsfolk som bestämde mycket, som i sin tur bara tänkte på sina positioner och nästa års bokslut. Jag skjuter en stor salut för Internets genomslagskraft ! Det ska väl även nämnas att en stor anledning till att jag fick ”tummen ur” var att jag slutade dricka alkohol och gjorde en nystart i livet ! Det blev lättare att ta beslut då ! Alkohol är ett gift som även på sikt drar ner både ens självkänsla och självförtroende. Jag reste mej på 9 !

Vilken låt på Royal Mess är den som betyder mest och varför?

– ”See You In My Dreams” som äntligen kommer ut efter nästan 30 år. Jag skrev den med Tommy Nilsson och Nestor Geli 1986 tillägnad min Bror som dog samma år. Låten spelades in av Easy Action (med Tommy Nilsson) och även med Tommy Nilsson som solo-artist. Även med BamBam Boys (med Matti Alfonzetti på sång) och med Frank Ådahl. Alltså i 4 olika versioner. Väldigt många runtikring reagerade väldigt positivt på låten…..men av någon anledning gavs den aldrig ut. Det kanske var meningen att det skulle bli så här ? Nu är den i alla fall ute i sin ursprungliga och riktiga version.

Hur funkade låtskrivarprocessen till alumet?

– De flesta låtarna på plattan är skrivna av mej och skribenten/musikanten Anders Lundquist som hjälpt mej mycket med texterna. Några låtar har jag skrivit helt själv. Låtarna är en mix av gammalt och nytt. En del av materialet har några år på nacken och en del är nyskrivet. Jag skriver för det mesta med utgångsläge från ett ämne och titel. Innehållet i texten bör spegla det man hör i musiken. Och jag tycker vi lyckats bra med det.

Med ett album i eget namn hur mycket mer bryr du dej om recensioner än med exempelvis Therion?

– Det är klart att man tar det mer personligt med en platta man själv gjort i sitt eget namn. Jag är väldigt glad över att jag hitintills inte sett ett enda negativt ord i någon recension av Royal Mess ! Jag har i vissa fall fått så bra recensioner att jag nästan suttit och gråtit av glädje ! – Samtidigt så tänker jag med ens medfödda ”jante-tankar” att ”Så jävla bra är jag väl ändå inte ? – Näääää” !!! 😀

Som ett stort Kiss fan så kan man ju inte låta bli att fråga om det var aktuellt med en Kiss cover på plattan. Isåfall vilken ?

– Nej, inte till plattan, men när det sen blir live så tänker jag nog ta upp ”Cold Gin”. Även om jag inte dricker längre så älskar jag låten ! Den är ju skriven av min största idol i KISS – Ace Frehley – och Gene´s sånginsats på den är helt fantastisk !!!

Vilka band har du genom åren tackat nej till att bli medlem i?

– Heavy Load ! – Faktiskt ! – 1983-84 och Easy Action (tror jag) 1986 Dom ville i alla fall att jag skulle åka med på turnén efter jag var med på plattan ”That Makes One”. Men då hade jag redan tackat ja till att åka med det årets stjärnskott Tone Norum. Sen hoppade ju Kee Marcello av och bandet la ner efter ett tag…..Så det var väl rätt beslut antar jag.

Nalle Påhlsson2

Under din långa karriär så har du lirat ihop med många i Sverige eliten. Vilka favoriter har du?

– Allt har varit lärorikt och kul att spela och turnéra med, men att spela med sina idoler smäller givetvis högst: Mats Ronander, Sanne Salomonsen, Mikael Rickfors och Pugh Rogefeldt måste nämnas !!! Pugh lyssnade jag på redan som 10-åring så det var ofta jag fick stora flashbacks där på scenen med honom !

Vilka 3 album du spelat på är dina favoriter?

– ”That makes one” (Easy Action) ”Ground Zero” (Vindictiv) och Royal Mess såklart !

Vad tror du redan nu blir den stora skillnaden på nästa album?

– Den kommer definitivt att gå i samma stil. Jag anser att det är så man bygger en bra grund för ett band, och det är sån här ”straight-forward-rock” som kommer mer eller mindre automatiskt ur mej. Och det ska man väl dra nytta av ?

Vilka skulle du vilja skriva med och vilka skulle vara drömgästerna på album nr 2?

– Låtskrivandet kommer nog också att gå i samma anda med Anders Lundquist, men jag är öppen för förslag från andra och kanske kommer jag på någon mer att ta in i teamet (?)

Gäster kommer det att bli fler – alla mina polare och kollegor kunde inte få plats på den nuvarande, så jag har redan pratat med ett par av dom som jag vill ha med på nästa, bl a Magnus Henriksson från Eclipse, en fantastisk gitarrist ! Och Ja ! – Mina polare och kollegor från alla mina år i musikbranschen är mina drömgäster !

 

Vem skulle du helst vilja göra en duet med. Paul Stanley, Ace Frehley, Peter Criss eller Gene Simmons?

– Jag tror definitivt det skulle bli Ace Frehley ! Det skulle bli grymt roligt ! Både han och jag skrattar mycket ! Han verkar se på världen med mycket humor – som jag själv också gör ! Vi skulle ju faktiskt kunna bilda en duo, och med tanke på bandet Alcazar så kunde vi ju kalla oss för ALKIZAR !!! 😀

Det går rykten om att Kiss skall till Sverige nästa år. Hade det varit en stor dröm att få öppna på dessa spelningar?

– Det skulle ju vara oerhört kul ! Måste kolla om jag har nån bra kontakt som kan få in mej där för då ska jag ta med mej min yxbas och min punisher och få dom signerade av Gene – så jag kan sälja dom dyrt sen ! 😀

Hur ser planen ut för 2016?

– Januari startar med 20 spelningar med Therion i Europa. Vi har även några gigs inplanerade inför sommaren. Med Royal Mess så verkar det bli en festivalspelning och jag hoppas på mer såklart. Vi får se vad som händer. Det är alltid lite spännande att man inte riktigt vet vad som komma skall ! 🙂

Tillägg gärna att min platta är inte bara en platta !

Den är även en personlig seger för mej. På alla vis !!!

🙂

Tack !

Nalle

 

Andy Flash November 2015

 

Royal Mess

Nalle Påhlsson´s Royal Mess – http://www.royalmess.se

Intervju med Nad Sylvan

nad3
Foto: © Conny Myrberg
Intervju med Nad Sylvan
av Karl-Göran Karlsson

 

Bakgrund:

För några veckor sedan släpptes gitarristen Steve Hacketts dubbel-CD med titeln ”Genesis Revisited II”. Steve var själv en av de framträdande medlemmarna i Genesis-sättningen på 70-talet och detta alster är delvis en nostalgisk återblick på denna epok men även ett försök att göra om delar som Steve själv inte var riktigt nöjd med. På den nya skivan medverkar en stor del av de artister som idag är verksamma inom genren Artrock eller Progressive Rock. Bland dessa finns flera svenskar och här är sångaren Nad Sylvan från bandet Agents of Mercy kanske den mest framträdande. Han sjunger på hela tre spår på skivan.

Hur började ditt samarbete med Steve Hackett, d v s hur kom det sig att du fick möjligheten att medverka på skivan?

Ja, ibland kan jag undra själv hur det egentligen gick till. Men jag tror det hela började med att jag hade lärt känna Winfred Völklein som bland annat ligger bakom Night of the Prog-festivalen vid Loreley-klippan i S:t Goarshausen, Tyskland och som även är promotor för band som kanadensiska Musical Box (det kanske mest kända Genesis tribute-bandet). Han rekommenderade mig för Steve för att han kände till Unifaun-plattan (KG:s förtydligande: Den underbara skivan från 2008, skriven och producerad i Genesis-anda av Nad och kollegan Bonamici). Jag träffade Steve och Winfred Völklein för tre år sedan på Loreley-festivalen men det minns inte Steve säger han nu. Det var i samband med min första konsert med Agents of Mercy. Men jag kan förstå Steve – han måste ju ha träffat massor av fans och andra musiker genom alla år och det är omöjligt att komma ihåg varje individuellt möte. (KGs kommentar: Jag är också en av alla dessa anonyma fans. Jag träffade Steve och fick några ord med honom på musikpuben Dingwalls i Camden Town i London sommaren 1979).  Jag märker själv problemet nu när jag och Agents of Mercy börjar bli lite mer kända. Fans kan komma i drivor och prata snabbt med en och det finns inte en chans att komma ihåg exakt vem man mött efteråt. Och jag var egentligen bara ytterligare ett ansikte för honom på den tiden. Han fick Unifaun-skivan av mig men den försvann uppenbarligen. Fast för några månader sen fick han en ny och han har också lyssnat på den. Så, jag blev alltså rekommenderad av Winfred för Steve’s tour manager som sen ringde upp och frågade om jag ville komma över och träffa Steve och sjunga in några spår och kanske eventuellt turnera med honom.

Hur kändes det att få det samtalet?

 Ja, det kändes overkligt. Och någon vecka senare så ringde Steve mig, nån gång på förmiddagen då jag låg och sov. Surrealistiskt på något sätt. Plötsligt pratar man med en av sina absoluta hjältar här i livet, och som dessutom vill ha med mig i sitt band. Då blir man ju alldeles…ja, vad skall man säga? Och då hade han ju ännu inte hört Unifaun-skivan. Han hade ju bara hört några spår med Agents of Mercy. Så jag åkte över 16 maj och träffade honom. Jag spenderade en hel dag med honom och Roger King. Jag sjöng igenom några olika låtar och jag tror vi helt enkelt kollade om personkemin fanns där. Jag tror att de hade bestämt sig redan innan vi träffades att de ville ha med mig som sångare. Ja, så gick det till. Allt bara kom på något sätt! Jag sjöng in låtarna hemma hos mig och skickade iväg dem till Roger. Vad som är speciellt kul just nu är att vi blivit goda vänner och pratar med varandra i telefon varje vecka.

Men var det inte en hel del jobb även i studio i England?

Nej, faktiskt ingenting. Han har bara en liten studio skall du veta. Det var inget stort pådrag alls. Vi betade av olika låtar och kände efter på tonarter och så, om min röst skulle passa. Sen bestämde sig Steve ganska snabbt för vilka låtar jag skulle sjunga. Och det fick jag reda på strax efter jag varit där.

Jag får intrycket att Steve är lite perfektionist precis som hela Genesis var på 70-talet. Den här plattan liksom föregångaren ”Genesis Revisited I” (utgiven 1996) bär ju perfektionistiska drag så jag inbillade mig att det var mycket omtagningar och remixar innan Steve blev nöjd. Var det inte så även i dina låtar? Eller satt allting direkt?

Jag kan inte riktigt svara på det. Jag vet ju att Steve har jobbat väldigt länge med gitarren på ”Chamber of 32 doors”,  speciellt på introt där. För egen del brukar jag lägga sång i några olika varianter på låtarna och sen lyssna på vilken av dem som har mest liv i sig. Ibland kan det rent av bli så att man klipper ihop flera delar eftersom man kan vara olika nöjd med delar av de olika varianterna av låten. Sen kan jag säga att jag hade stor frihet att tolka de här låtarna som jag ville. Exempelvis prövade jag med olika körarrangemang på både ”Musical Box” och ”Eleventh Earl of Mar”.

Jo, jag märker ju att det finns en del nya arrangemang även om Steve är väldigt trogen originalarrangemangen måste jag ändå säga.

Ja, exempelvis på ”Eleventh Earl of Mar” har jag i det lugna partiet i mitten experimenterat lite med nya kör-arrangemang. När Steve fick höra det så ringde han upp mig genast och sa att ”det där skall vi behålla, det där var bra!”. Det var ju väldigt kul och det gjorde att jag även vågade göra en del liknande grejer på ”Musical Box”. Det kändes bra att få göra ett eget avtryck på inspelningarna, inte bara genom leadsången.

Men du har väl satt ett rejält avtryck på skivan genom att vara med på så många som tre låtar? Du har väl fler låtar än någon av de andra sångarna som anlitats, eller hur?

Har jag det? Ja, kanske det.

Jag tänkte just fråga om hur själva låtvalet gick till. Jag fick intrycket att ni som gästmusiker hade en del inflytande där. Exempelvis såg jag att Steve själv skrev att Steven Wilson fick sjunga sin egen favoritlåt med Genesis; ”Can-utility and the coastliners”. Och John Wetton hade ju tidigare sjungit ”Afterglow” vilket då också blev ett givet val på denna platta. Var det inte så även för dig?

Nej. Det var Steve som ville att jag skulle sjunga in just de här tre låtarna. Först fick jag väl egentligen frågan om jag kunde sjunga bara ”Musical Box” och ”Eleventh Earl of Mar”. Men i samma veva skickade jag en demoinspelning där jag sjöng ”Chamber of 32 doors”. Det spelades in till ett annat projekt. Det var Dave Kerzner som ville att jag skulle sjunga den. När Steve hörde den inspelningen så gillade han den så mycket att jag fick frågan att sjunga den även här. Så hade jag inte skickat den demon så hade det bara blivit två låtar för mig.

I det sammanhanget undrar jag om du har några speciella favoritlåtar med Genesis?

Ärligt sagt så är det jättesvårt att peka ut favoriter. Den första platta jag lyssnade på var ”The Lamb lies down on Broadway” och det är nog den jag gillar mest. Skall jag plocka låtar därifrån så är det nog ”The Lamia” som sticker ut men det definitivt starkaste partiet är skarven mellan ”Fly on a Windshield” och ”The Broadway Melody of 1974”. Hela detta suggestiva rytmpaket, de fantastiska harmonierna och den attityd som Gabriel har – ja, det är helt magnifikt! Det är kombinationen av alla olika musikaliska element här som gör att det är det absolut starkaste jag hört med Genesis.

Du nämnde just Gabriels attityd och inlevelse. Jag skrev i min recension av plattan att jag hade lite problem (nåväl, tämligen marginella) med sånginsatserna som jag inte alltid tyckte gjorde rättvisa åt den energi och inlevelse som Gabriel hade. Däremot kände jag inte motsvarande problem med låtarna där Phil Collins brukade sjunga. Hur kommenterar du det?

Ja, det ligger kanske något i det men samtidigt så får det ju inte heller bli så att man gör en rak kopia av originalet. Så, på den kommande turnén gäller det ju att få till en balans så att man inte gör alltför mycket våld på den sång som så många ”gamla” fans är så att säga inkörda på. Man måste på något sätt närma sig själva kärnan hos originalsången. Man kan inte experimentera för mycket här för då riskerar det att gå väldigt snett. Och i den meningen är kanske Gabriels sång den svåraste att ”förvalta”.

Men hur viktigt tycker du själva sångpartierna är i Genesis musik jämfört med det instrumentala? För egen del kan jag faktiskt tycka att många rent instrumentala partier är väl så bra som de som dessutom innehåller sång.

Jag måste säga att – och då tror du kanske att jag skojar – jag har aldrig varit överförtjust i att sjunga. Det har aldrig varit så att jag ställt mig upp och skrikit ”Jag älskar att sjunga och det är mitt liv!”. Jag älskar musik och jag älskar att tolka musik på olika sätt. Jag kan precis som du ibland tycka att de instrumentala bitarna är mycket intressantare än de vokala bitarna. Jag började sjunga för att jag började skriva låtar och någon måste ju sjunga låtarna. Jag har aldrig haft någon önskan att bli någon stor sångare.

Men jag får intryck att du också har något teatraliskt över dig, d vs en ambition att utföra lite mer än bara sång på scenen. Är det inte så?

Jo, jag spelade teater som ung och har alltid haft en vilja till teatraliska uttryck. Jag var ”klassens clown” och jag har alltid fjantat mig och spelat Allan. Allt det där ligger i min natur som person. För mig handlar det om uttryck väldigt mycket och att våga ta ut svängarna. Jag tillhör den grupp av människor som gillar sånt.

För att återgå till själva inspelningen så undrar jag om du har träffat många av de andra musikerna som deltar på plattan? Var det någon mer än Steve och Roger som du faktiskt spelade med?

Nej, jag träffade faktiskt inte någon av dom. Inte under själva inspelningen. Den försiggick under väldigt lång tid och varje musiker hade uppenbarligen sin egen avskilda dialog med Steve och Roger. Det var likadant för Roine Stolt och hans insats på plattan. Han spelade in sitt gitarrsolo hemma och skickade till Steve. När det gäller mig själv så inser jag också att jag kom in väldigt sent i inspelningsprocessen så det han inte bli så mycket dialog kring det hela med Steve och andra musiker.

Men ni hade väl i alla fall ett gemensamt releaseparty? 

Jo, det är riktigt och där träffade jag ju många av de andra som medverkar.

Du nämde Roine , jag undrar om hans insats är begränsad till ”The Return of the Giant Hogweed”?

Ja så är det.

Jag måste säga att jag blev väldigt förvånad över hans bidrag på denna låt. Hade inte väntat mig den typen av solo han gör där.

Nej, Roine medgav att han chansade lite där. Han har ju en väldig förkärlek för Wah-wah-pedalen och här utnyttjar han den till max. Han har börjat använda den mer och mer, även under Agents of Mercy-gigen. Vissa älskar det här men andra gör det inte. Men jag tycker det är ballt.

Jag får erkänna att jag behövde lite tillvänjning. I början tyckte jag det lät märkligt men efter ett tag började jag tycka att det faktiskt låter helfestligt. En stor portion bluesgitarr insprängt i denna gamla klassiska låt. Ett riktigt rejält ansiktslyft som ändå inte förstör låten.

En helt annan fråga: Hur är det med övriga låtar på plattan – vilka tycker du är bäst framförda där?

Ja, jag måste säga att jag är överlägset mest förtjust i ”The Lamia” med Nik Kershaw. Han sjunger den så vansinnigt bra och hans röst passar så bra till just denna låt. Men jag vet också att det finns väldigt många olika åsikter om detta. Det är verkligen intressant att även om så många förenas i detta gemensamma musikintresse så finns det ändå så otroligt stora skillnader i vad man sen tycker om och inte tycker om. Kanske beror det på att jag själv är sångare och förstår svårigheterna med just genomförandet av sången. Jag kan sätta mig in i vad Nik har att göra och jag kan kanske också märka kvaliteter i sången som kanske inte andra uppfattar eller lägger så stor vikt vid.

Vad gäller övriga låtar så är det svårt att plocka ut något speciellt för det mesta är ju väldigt bra gjort. Om det är något som sticker ut speciellt så är det valda delar av ”Supper’s Ready” och även ”Dancing out with the moonlit knight”.

På den sistnämnda kanske jag själv har lite svårt för sånginsatsen.

Nja, han (Francis Dunnery) gör verkligen så gott han kan. Sen är det ju som du säger inte lätt att axla manteln efter Peter Gabriel. Den här låten har man ju hört så många gånger med Peter (det är på något sätt en del av en själv) så jag förstår verkligen om en del kan reagera negativt om det är någon annan som sjunger. När det gäller min egen sångstil så kunde jag ha gjort mina insatser annorlunda. Jag har egentligen mera en bakgrund i att sjunga soul men jag insåg på något sätt att den sångstilen inte passar alls i detta sammanhang. Så man har fått anpassa sig till uppgiften, det har man verkligen. Jag har faktiskt fått lite kritik för att jag närmast desperat försöker låta som Peter Gabriel men då har man inte riktigt förstått det här med att man ändå inte kan avvika för mycket från originalet. Som sagt, man har ju växt upp med den här musiken och man vill ju ändå försöka förmedla samma typ av känsla. Så, det kommer rakt från hjärtat och man kan knappast beskriva det som att jag bara försöker planka originalet. Jag är bara en tolkare av originalet och influerad utav det.

Det här med att jag hade lite svårt för sånginsatserna var bara en första känsla, sen vande jag mig snabbt och kan nu tycka att det mesta är näst intill lika bra sjunget som på originalen.

Jo, allting är gjort med varsamhet och utan att göra våld på den känsla som fanns i originalen. Har pratat mycket med Steve om detta. Om hur man valde låtarna och hur de skulle genomföras.

OK, men det är väl då dags att gå in på lite mer i detalj just dina låtar på plattan. Låt oss börja med ”Chamber of 32 doors” som ju är inledningsspåret. Det måste ju verkligen kännas hedrande att få öppningsspåret, eller hur?

Ja verkligen och det visste jag inte om! Hade inte en aning om att det skulle bli öppningsspåret.

Det jag noterade först här var ju ett nytt intro här på akustisk gitarr. Jag tycker det är fantastiskt bra gjort.

Ja, jag tycker det är hans starkaste sida, alla dessa partier på akustisk gitarr.

Den här låten är ju en av de tyngsta och allvarligaste rent textmässigt bland Genesis-låtarna. Den handlar om det svåra att välja väg i livet. Väldigt dyster och tung stämning på låten och jag vet att jag själv påverkades rejält när jag lyssnade på den i ungdomsåren (då det här med vägval i livet verkligen ledde till tunga funderingar). Var texten viktig för dig eller var det främst musiken som betydde något?

Det var absolut låten som betydde mest för mig. Jag har aldrig fördjupat mig så mycket i texterna på ”The Lamb”. Tycker bara de är flummiga. Har aldrig riktigt förstått storyn och det är många andra som har sagt samma sak. Jag föll framförallt pladask för musiken. Numera har man förstått mera av texterna, åtminstone i vissa delar av plattan som den här.

Men du skall veta att när jag själv skriver så känns det mera viktigt hur orden ligger i munnen än vad de egentligen betyder. Så i den meningen kan jag förstå Peter Gabriel och hans sätt att sätta text till låtarna.

Jo, Peters sätt att leka med orden i sångerna är ju symptomatiskt där. Speciellt hans förkärlek för att använda ord som låter likadant men som betyder något annat. Vi har ju exemplet i ”Dancing with the moonlit Knight” och på ”The Lamb” finns ju otaliga andra exempel. Det bästa är kanske ”Caryl Chessman sniffs the air and leads the parade, he know, in a scent he can bottle….”  (d v s här antyder han att den dödsdömde ju egentligen var ”innocent”. Genialiskt! Samtidigt som man betänker att man tog livet av honom i gaskammare).

Visst. Och sen finns det många andra exempel på låtskrivare som skriver helflummiga texter men där de ändå passar så bra till musiken. En sådan är ju Jon Andersson i Yes. Hans texter är ju verkligen helskruvade

Men, om vi återgår till låten ”Chamber of the 32 doors, den har du alltså gjort förut?

Jo, den gjordes i ett annat projekt där Dave Kurzner bad mig sjunga den. Han är även med och spelar keyboards på ”Supper’s Ready” på den här skivan. Han brukar jobba mycket med Simon Collins (Phil Collins’ son) som också är med och sjunger på skivan. Dave bad mig sjunga den här men han gillade faktiskt inte den så mycket. Han klagade på vissa delar av min sång. Så jag sjöng in den igen och då var han nöjd. Men när till slut projektet blev färdigt så fanns inte låten med, märkligt nog. Samma version hörde Steve Hackett och han älskade den! Jag tror nog att Dave känner sig lite skamsen just nu (skämt åsido).

Så har vi då ”The Musical Box” som nästa låt. Just den låten är väl inte någon stor favorit hos mig men den har icke desto mindre element som jag tycker mycket om. Särskilt slutet med det fantastiska orgelkompet och sången i höga register. Det var väl ett krävande sångparti, eller hur?

Absolut. Men låten som sådan har heller aldrig varit någon favorit. Exempelvis när jag såg tribute-bandet The Musical Box göra låten i London för några år sen så passade jag faktiskt på att gå på toaletten (!). Men just slutmomentet är fint och det absolut bästa med låten (inklusive Tony Banks mästerliga komp på orgel i partiet med texten ”..and I have been waiting here so long”). Det här kopplade Genesis exempelvis ihop jättefint med ”The Lamb lies down on Broadway” på ”Second’s Out”-plattan. Jo, när man kommer upp i det här partiet där jag sjunger ”touch me, touch  me” kommer man upp i ett sångregister som jag sällan befinner mig i. Jag är ju barytonsångare och har egentligen svårt med liknande partier. Men jag känner att jag fixar det i alla fall. Hela partiet från ”she’s a lady..” och framåt är jag väldigt nöjd med. Där har jag också fått in något eget med ett litet nytt körarrangemang.

Sen har vi då ”Eleventh Earl of Mar” och den tycker jag ju passar dig alldeles perfekt.

Vad kul att höra! Själv tycker jag faktiskt att jag ligger på gränsen till för högt i tonläget. Det var faktiskt liknande tendenser på vissa av låtarna på ”Unifaun”-plattan också. Men det kanske trots allt låter bra även om jag får anstränga mig.

Jag har redan nämnt att jag är mer nöjd med sånginsatserna (inte bara från dig) vad gäller Phil Collins låtar än motsvarande låtar där Peter Gabriel sjunger. Finns det något mer att säga om det?

Det är en rätt så svår fråga. Faktiskt kan jag tycka att Phil har en mer melodisk och vacker röst än Peter. Dessutom förmedlar han någon sorts magiskt sagoberättarkänsla som jag gillar väldigt mycket. Men Gabriel hade ju andra kvaliteter, inte minst det visuella och teatraliska på scenen och den enorma inlevelsen i sången. Så visst finns det stora skillnader som kan ha betydelse för hur man tolkar sångerna. Men faktiskt håller jag nog dem som lika bra båda två, på var sitt sätt.

Nu fick du tre låtar att sjunga på skivan men hur blir det med den stundande turnén nu? Får du sjunga fler låtar då? Inbillar mig att du nog är bra sugen på det.

Jo, det får jag. Naturligtvis beroende på att inte alla gästmusiker kommer att vara med på turnén. Men Gary O’Toole kommer ju att vara med och det är väl inte vågad gissning att han kommer att sjunga de låtar som han gör på plattan. Så, visst, det kommer ju att så småningom finnas fler inspelningar där jag sjunger andra låtar eftersom det ju kommer att spelas in live-versioner och DVD-er från den kommande turnén.

 Ja, då är det väl dags att diskutera den kommande turnén i lite mer detalj. Den börjar komma på plats med bokningar som allteftersom läggs ut på bland annat Steves websida. Men än så länge har jag inte sett några bokningar i Norden och i Sverige. Hur är det med det – blir vi så lyckligt lottade att även Sverige får spelningar?

Jodå, det blir Skandinavien. Men jag vet inga datum ännu. Men jag vill inte gå in på det i detalj ännu för då inte datumen är satta så kan jag ju egentligen inte säga så mycket. Turnén kommer att sträcka sig över nästan hela 2013 och jag vet inte alls när som de skandinaviska spelningarna kommer att läggas. Vi börjar turnén med ”Cruise to the Edge”-kryssningen tillsammans med Yes och andra band (bl a Saga, Tangerine Dream, UK, Carl Palmer band) i slutet av mars (25-31 mars).

Jo, jag tänkte just fråga om detta evenemang (se  http://cruisetotheedge.com/). Det låter ju som något alldeles fantastiskt – en riktig dröm för fans av progressive rock med 70-talsrötter. Det här är ju naturligtvis något man absolut skulle vilja åka på men vad jag kan förstå så kommer den ”vanlige” musikfantasten knappast att ha råd med dylika utsvävningar. Kostnaden inklusive flygbiljetter från Europa kommer lätt upp över 10 000:- så jag undrar lite grand vad ni egentligen kommer att få för publik? Välbärgade amerikaner? Kommer de överhuvudtaget att lyssna på er?

Jo, jag kan känna mig rätt kritiskt till ett dylikt arrangemang. Men det är faktiskt utanför min kontroll. Helt plötsligt ser jag bara att den här bokningen kommer. I mitt fall är det nog bara att s a s ”tacka och ta emot”. Men visst känns det kluvet att tänka att den stora massan av fans inte kommer att få någon möjlighet att vara med.

 Frånsett det här lilla frågetecknet så måste jag säga att jag verkligen unnar dig att få vara med om det här under nästa år som ju måste bli en sorts höjdpunkt på din artistkarriär. Jag kommer givetvis att följa detta noggrant, inte minst när ni så småningom landar på svenskt eller nordisk mark.

För att lämna det, jag känner att jag vill höra lite mer om Unifaun-plattan: Jag är fortfarande förundrad över att inte Steve kände till den sedan tidigare. Där finns ju bland annat en låt som heter ”ReHacksis” och som jag tycker väldigt mycket om. Den är ju nästan är mer Hackett-lik än någonting annat. Kan du berätta lite mer om detta underbara lilla stycke?

Steve gillar verkligen denna låt, det har han sagt så här nu i efterhand. Ursprunget till låten kom från min fd kompanjon Bonamici som hade två teman som vi bygger låten kring. Sen fick jag sitta och programmera upp arrangemanget och lägga på bland annat gitarrerna. Jag gillar låten mycket och tycker kanske att den och ”Quest for the last virtue” är det två starkaste låtarna på skivan. Vi lade ner så mycket jobb på denna platta. Till exempel låten ”Mr. Marmaduke and the minister” tog nio månader att färdigställa!

En sista fråga: Den här plattan ser ju ut att ha sålt skapligt bra (skuttade upp till 11:e plats på brittiska albumlistan för att sedan sjunka ner igen rätt snabbt) så den fick ju viss publicitet, utan tvivel. Men det är ju svårt att hoppas på mycket mer för den här typen av musik är ju inte direkt vad som säljer idag. Förmodligen var det en massa gamla Genesis-fans som vaknade till liv och köpte den nya plattan. Har egentligen svårt att tro att den hittade några nya fans. Men vad är egentligen din syn på framtiden för den här typen av musik (och då talar jag om ny musik) som bygger mycket på inspirationen från 70-talets progressiva rock?

Jag ser rätt så ljust på framtiden. För ett par veckor sedan (1 november 2012) var jag på Bryggarsalen i Stockholm på konserten med The Flower Kings. Det var jättemycket folk och konserten som sådan var strålande.  Jag känner att genren i sig verkligen inte är död, den är snarare vitalare än någonsin sen 70-talet. Det är mycket tack vare Internet som gör det lätt att hitta all ny spännande musik. Sen är jag själv kanske lite dålig på att lyssna på all denna nya musik, får jag erkänna. När man är så pass engagerad i egna projekt så finns helt enkelt inte så mycket tid för eget förutsättningslöst lyssnande. Men det går i vågor, det finns perioder då jag lyssnar mer.

Angående genrens status så delar jag den känsla du uttrycker. Det finns väldigt gott om ny musik och nya giganter inom detta fält. Såg exempelvis Mikael Åkerfelt från Opeth svinga fanan högt för Prog i senaste numret av Classic Rock presents Prog. Så visst lever genren.

Förresten – apropå ny musik och nya band – hur är nu planerna för Agents of Mercy? Får du plats med detta nu när hela nästa år ser ut att vara uppbokad? Det känns som att det finns risk för en lång paus.

Det finns faktiskt material för att gå in i studio ganska snart men det är som du säger svårt att riktigt hitta tiden för det just nu och i den närmaste framtiden. Det är inte bara jag som är upptagen nästa år. Även Roine är ju ute på turné större delen av 2013. Så skall jag vara ärlig så dröjer det förmodligen till 2014 innan nästa platta med Agents of Mercy kommer. Men det är tämligen säkert att det blir nya skivor.

Det låter jättebra. OK, med det får jag tacka för ett väldigt intressant samtal. Jag önskar verkligen lycka till inför nästa år som ser ut att bli något alldeles fantastiskt för din del.

Tack själv!

nad1

Intervjuare: Karl-Göran Karlsson

Foto: Conny Myrberg

 

 

 

Intervju med Midge Ure, Ultravox

midgeredhia4
Intervju med Midge Ure / Ultravox
av Daniel Reichberg

”English version below”

Sångaren/gitarristen James Ure föddes i Cambuslang, Skottland 1953. I unga dagar vände han bakochfram på smeknamnet Jim, och Midge var född. Ett första genombrott skedde med pojkbandet Slik; senare stod Rich Kids, Thin Lizzy, Visage och framför allt synthpionjärerna Ultravox på dagordningen. Ure är även känd för att ha medkomponerat ”Do They Know It’s Christmas” och arrangerat Live Aid 1985. Nyligen släpptes briljanta ”Brilliant”, den klassiska Ultravox-sättningens första nya album på 28 år. I oktober återvänder Ultravox till Sverige, och 15:e juni 2012 anropar Midge Ure Göteborg.

Albumet ”Brilliant” låter väldigt mycket som klassiska Ultravox. Gjordes detta med flit, eller kom det sig naturligt?

Det kom sig fullständigt naturligt. Jag tror inte vi skulle kunna göra det med flit, utan det här är ett sound som dyker upp automatiskt när vi fyra spelar ihop. Jag har ju spelat många gamla Ultravoxlåtar under mellanåren, antingen akustiskt, med solobandet eller med orkester, men det är bara när Ultravox samlas som det faktiskt låter som Ultravox.

Annars hade man kunnat tro att ni ville behaga de gamla fansen.

Hade vi försökt behaga fansen så hade det blivit en enda röra! Jag kommer att tänka på vad bilmagnaten Henry Ford sa. Han sa att hade han lyssnat på alla råd om hur bilar ska byggas, då hade det slutat med att han återuppfann hästen!

På vad sätt har ni förändrats under de 25 åren ifrån varandra?

Jag anser mig ha blivit en bättre låtskrivare, och så tycker jag att Billy Currie [klaviatur, viola] har utvecklats massor som musikskapare och arrangör. Det var riktigt häftigt att få över hans musikbakgrunder, och så skrev jag text och melodi på helt andra sätt än Billy hade föreställt sig låtarna.

Skrev ni på det sättet även på den gamla tiden?

Förr låste vi in oss hela bandet i en replokal i veckor, tills det började komma ut bra material, men det är omöjligt idag, då Warren Cann [trummor] bor i Kalifornien, Billy i London och jag och Chris Cross [bas, klaviatur] bor i Bath.

Kunde du föreställa dig att det skulle bli ett nytt Ultravox-album?

Nej. Absolut inte! I många år var Ultravox en del av min uppväxt. Visserligen en härlig och intressant del, men ändå historia. Inte ens när vi samlades för att turnera 2009 fanns det på radarn. Men efter en tid blev vi nyfikna. Kunde vi skapa ny musik, lika fräsch och livfull som den gamla? Hade vi fortfarande gnistan? Jag tycker vi har lyckats skapa musik som är precis up-to-date med vad som görs idag.

Hur kommer det sig att samtliga låttitlar består av endast ett ord vardera?

Varje låt hade en ettordig arbetstitel, och när vi skulle göra omslaget, tyckte vi det var snyggt att behålla titlarna så, rent designmässigt. Det är alltså en fråga om grafik mer än någonting annat.

Dags för historisk tillbakablick. Du är bland annat känd för att ha tackat nej till en plats i Sex Pistols. Var hade Midge Ure varit idag om han istället tackat ja?

Hahaha…den var svår! Var är grabbarna i Sex Pistols idag? Var Sid Vicious är vet vi ju alla. Steve Jones och Paul Cook har väl lagt av? Den ende som håller igång med musiken är John Lydon och jag är som han. Föds man med den här passionen är musik inte något man bara håller på med ett tag och sedan lägger av. Det blir ens öde att hålla på så länge man lever. Men det är möjligt att jag hade haft det enklare för mig ifall jag haft Sex Pistols på meritlistan.

Istället hamnade du en period i Thin Lizzy.

Jag och Phil Lynott lärde känna varandra redan i början av 70-talet. Jag älskade verkligen tidiga Thin Lizzy, då bandet var en trio. Jag såg dem i Glasgow på deras första turné, då de var förband till Nazareth. Thin Lizzy var mycket, mycket bättre än Nazareth. Senare i London sprang jag på Phil igen, vi blev polare och så ringde han från USA när de behövde en blixtsnabb ersättning, eftersom Gary Moore hade hoppat av.

Håller du med om att Ultravox var rätt pretentiösa under din första tid i bandet?

Ja, till en viss grad. Men jag tycker de flesta band är rätt pretentiösa. Det kan handla om arrogansen hos Liam Gallagher i Oasis, eller pretentioner på vårat sätt. Vissa tycker fortfarande vi är pretentiösa och pompösa! Men jag tror man måste ha en viss sorts ego för att klara sig i musikbranschen.

Jag har alltid haft svårt att förstå era texter. Vad handlar ”The Thin Wall” om, exempelvis?

Den handlar om den väldigt sköra tråden mellan sans och galenskap. Om hur lätt det är att dansa på gränsen och glida fram och tillbaka. Men egentligen är de flesta av mina gamla låtar mest ett målande med lyriken. Ena textraden behöver inte ha någon koppling till nästa. Ta bara ”Reap the Wild Wind” – den handlar verkligen inte om någonting alls! Så man ska nog inte analysera texterna alltför mycket.

Är det likadant med din lyrik numera?

Numera är mina texter mycket mer personliga. Andra kanske finner dem vaga, men för mig är de berättelser ur mitt liv.

Jag läste i en intervju om hur du på 80-talet tittade ut över publiken och såg hur hälften av det manliga klientelet tagit över din look med trenchcoat och sylvass mustasch. Kan man säga att Ultravox var visuella förebilder för den nyromantiska popkulturen?

Jag vet inte riktigt det. Vår image var vad vi kallade ”dead men’s clothes”. Vi åkte runt till Röda Korset och loppmarknader och köpte upp dödsbon, som vi sedan hade på oss.

Var ni frestade att klä er på det sättet även nu?

Absolut inte! Vi var väldigt bestämda på att göra det här på ett värdigt vis, och inte försöka spela unga rockgudar med supersnygga brudar i våra videor.

Är det med stolthet du ser tillbaka på tiden som medkompositör till Band Aid-singeln ”Do They Know It’s Christmas” 1983 och initiativtagare till den globalt direktsända välgörenhetsgalan Live Aid 1985?

Jag skulle ljuga om jag förnekade det. Vid tillfället kunde man inte ana hur stort det skulle bli. Vi gjorde något som kändes rätt, och så blev det monumentalt. Vi löste naturligtvis inte världssvälten, men vi ändrade människors attityder till välgörenhet. Så även om nu ”Do They Know It’s Christmas” inte är kronan på min musikkärriär, så är den ändå en stor höjdpunkt för mig som människa.

Så – vilka är då ditt livs musikaliska höjdpunkter?

Hhmmm…klurigt. Men om jag ska ta tre stycken i kronologisk ordning, så måste jag börja med när jag gick med i Ultravox. Det var ett djupt deprimerat Ultravox jag gick in i. De hade förlorat såväl sångare som gitarrist, de tyngdes av stora skulder och inte en jävel trodde på dem. Men när vi kopplade in instrumenten och började föra oljud…fullkomligt ljuvligt! Sedan får jag nämna spelningen på Live Aid, att framträda inför så oerhört många människor. Men några av de största tillfällena har skett i det tysta. Som när jag och Eric Clapton satt på ön Montserrat i Karibien och spelade gitarr tillsammans. För mig som hade vuxit upp med Claptons musik var det enormt stort. Eller då jag satt i en studio och fick lyssna på Japan-musikern Mick Karn när han excellerade på bas.

Slutligen – vilken är den allra bästa Midge Ure-låten?

Där väljer jag ”All Fall Down” från sista skivan jag gjorde med Ultravox innan mitt avhopp 1986.  Albumet ”Uvox” är en enda röra och visar upp ett band som faller samman, men i ”All Fall Down” lyckade vi samla oss tillsammans med folkmusikbandet The Chieftains i en väldigt enkel och kraftfull folksång. Men jag måste också säga att nya albumet ”Brilliant” troligen är den bästa samling låtar jag någonsin skrivit.

brilliant

Singer / guitarist James Ure was born in Cambuslang, Scotland in 1953. In younger days he reversed the nickname of Jim and Midge was born. A first breakthrough came with the boy band Slik; later, Rich Kids, Thin Lizzy, Visage and above all synth pioneers Ultravox ruled the agenda. Ure is also known for having co-composed ”Do They Know It’s Christmas” and organized Live Aid in 1985. Recently Ultravox released brilliant ”Brilliant,” the classic Ultravox-lineup first new album in 28 years. In October Ultravox return to Sweden; June 15, 2012, Midge Ure phones Gothenburg.

 The album ”Brilliant” sounds very much like classic Ultravox. Was this done on purpose, or did it come naturally?

It came out perfectly natural. I do not think we could do it on purpose, but this is a sound that pops up automatically when the four of us play together. I’ve played many old Ultravox songs over the years, either acoustically, with my solo band or with an orchestra, but only when Ultravox gather it actually sounds like Ultravox.

Otherwise, one could have believed that you would want to please the old fans.

 Had we tried to please the fans, it would have been a total mess! I remember what Henry Ford once said. He said that had he listened to advice on how cars should be built, then he would have reinvented the horse!

In what ways have you changed in the 25 years apart?

 I believe I have become a better songwriter, and I think Billy Currie [keyboards, viola] have developed lots as a musician and arranger. It was really cool to get his music backgrounds sent, and writing lyrics and melodies in completely different ways than Billy had imagined.

Did you work like that in the old days?

In the past, we locked the whole band in a rehearsal room for weeks, until good material started coming out, but that’s impossible today, when Warren Cann [drums] lives in California, Billy in London and I and Chris Cross [bass, keyboard ] live in Bath.

Could you imagine that there would be a new Ultravox album?

 No. Absolutely not! For many years, Ultravox was part of my upbringing. Certainly a beautiful and interesting part, yet history. Not even when we gathered to tour in 2009, this were on the radar. But after a while we became curious. Could we create new music, as fresh and vibrant as the old one? Did we still sparkle? I think we have managed to create music that is just up-to-date with what is being done today.

How is it that all the song titles consisting of only one word each?

 Each song had a one word working title, and when we would do the album cover, we thought it was neat to retain the titles so, purely in terms of design. It is thus a matter of graphics more than anything else.

Time for a retrospective. You’re known to having turned down a job with the Sex Pistols. Where would Midge Ure have been today if he had accepted?

Hahaha … that’s a difficult one! Where are the guys in the Sex Pistols today? Where Sid Vicious is, we all know. Steve Jones and Paul Cook are out of the business, aren’t they? The one still in music is John Lydon and I’m like him. If you’re born with this passion, music is not something you just hold on for a while and then quit. It is one’s destiny to hold on as long as you live. But it is possible that it would have been easier for me if I had the Sex Pistols among my merits.

Instead you ended up with Thin Lizzy for some time.

I met Phil Lynott back in the early 70’s. I really loved the early Thin Lizzy, when the band was a trio. I saw them in Glasgow on their first tour, when they were the opening act for Nazareth. Thin Lizzy was much, much better than Nazareth. Later in London I ran into Phil again, we became friends and he called from the U.S. when they needed a quick replacement, as Gary Moore had left the band mid-tour.

Was it hard to step into virtuoso Gary’s shoes?

I did not even try! Gary was truly a hero, whom I saw in the band Skid Row when he was still a teenager. It would have been ridiculous of me to even try to play like him, so instead I kept myself in the background and let Scotty Gorham play all the complex parts. There was no question of Thin Lizzy as a permanent solution for me, because I was going home to England to join Ultravox.

Do you agree that Ultravox were somewhat pretentious during your first time in the band?

 Yes, to a certain degree. But I think most bands are pretentious. It can be the arrogance of Liam Gallagher of Oasis, or pretensions in our way. Some still think we’re pretentious and pompous! But I think you have to have a certain kind of ego to survive in the music industry.

I have always found it difficult to understand your lyrics. What is ”The Thin Wall” about, for example?

 It’s about the very fragile thread between sane and insane. About how easy it is to dance on the edge and slide back and forth. But actually, most of my old songs a canvas of words. One line does not necessarily connect to the next. Take ”Reap the Wild Wind” – it’s really not about anything at all! So you probably shouldn’t analyze the lyrics too much.

Is it the same with your poetry nowadays?

 Today my lyrics are a lot more personal. Others may find them vague, but for me they are stories from my life.

I read in an interview about the 80’s, that you looked out over the audience and saw half of the male clientele having your look with the trench coat and sharp moustache. Can it be said that Ultravox were visual role models for the neo-romantic pop culture?

I really don’t know. Our image was what we called ”dead men’s clothes.” We went around to the Red Cross and flea markets and bought estates, which we wore onstage.

Were you tempted to dress in that way today as well?

 Absolutely not! We were very determined to do this in a dignified way, and not try to play young rock gods with super hot babes in our videos.

Is it with pride that you look back at your time as co-composer for Band Aid single ”Do They Know It’s Christmas” 1983, and initiator of the global charity gala Live Aid in 1985?

I would be lying if I denied it. At the moment, you could not have imagined how big it would be. We did what felt right, and it became monumental. Obviously, we didn’t solve world hunger, but we changed people’s attitudes to charity. So even if ”Do They Know It’s Christmas” isn’t the pinnacle of my career in music, it will remain a major highlight for me as a person.

So – what are your life’s musical highlights?

Hhmmm … tricky. But if I’m going to take three pieces in chronological order, I have to start with joining Ultravox. It was a deeply depressed Ultravox that I joined. They had lost both singer and guitarist, they were burdened in debt and not a bastard believed them. But when we plugged in our instruments and started to make noise … absolutely lovely! Then I’d mention the gig at Live Aid, appearing before so very many people. But some of the biggest occasions have taken place in silence. Like when I and Eric Clapton sat on the island of Montserrat in the Caribbean and played guitar together. For me, who had grown up with Clapton’s music, this was enormous. Or when I sat in a studio and got to listen to Japan musician Mick Karn when he excelled on bass.

Finally – what is the very best Midge Ure song?

I’d say ”All Fall Down” from the last album I did with Ultravox before leaving in 1986. The album ”UVOX” is a mess and displays a band falling apart, but in ”All Fall Down” we successfully gather ourselves together with folk band The Chieftains in a very easy and powerful folk song. But I must add that the new album ”Brilliant” is probably the best collection of songs I’ve ever written.

Daniel Reichberg

Intervju med Jonas Reingold

jonas
 Intervju med Jonas Reingold
av Daniel Reichberg

 

Inför SLOTTSSKOGEN GOES PROGRESSIVE 2012 har Daniel Reichberg samtalat med basisten/låtskrivaren JONAS REINGOLD om The Flower Kings och Slottsskogen, men också om Karmakanic, 3rd World Electric, Reingold Records och en och annan låtstöld.

Sedan comebacken i våras har Flower Kings hunnit med två spelningar. Hur tyckte du de gick?

Inför Sweden Rock Festival i juni var det rätt så nervigt, eftersom vi hade en helt ny trummis [tyske Felix Lehrmann], men det gick över förväntan. Nu känner jag mig väldigt trygg; det här kommer att gå som en dans. Loreleifestivalen i Tyskland gick också bra, men Sweden Rock är bättre organiserat. Roine Stolt behöver tid för att småpula inför gigen, halvrepa så att säga. Det fick han inte på Lorelei.

Hur kändes det att stå på scenen med Tomas Bodin och Hasse Fröberg, efter nära fem års åtskillnad?

Vid det laget kändes allt som vanligt igen. Däremot var det lite pirrigt vid mötet i november 2011, då vi bestämde oss till hundra procent för att köra igen.

Din låt ”Rising the Imperial” på nya albumet ”Banks of Eden” tycks närmast religiös. Är det en riktig tolkning?

Den har inget traditionellt kristet eller buddhistiskt budskap eller så, men jag återkommer ofta till texter om människans förankring till något större. Människan är förbannat bra på att stirra sig blind på bästa jobbet för att ha råd med bästa bilen och bästa sommarstugan, när det optimala kanske är att gå utanför dörren, sätta sig på en stol och titta på solnedgången.

På bonusdisken bidrar du med ”Going Up”. Vad finns att säga om den?

A celebration to life! Jag hade med mig fem låtar till inspelningen, vi tyckte ”Rising the Imperial” passade bra som avslutning på riktiga albumet, och så hamnade ”Going Up” på bonusskivan. De övriga tre låtarna ligger hemma i byrålådan. Roine har säkert tio timmar låtar som ligger och väntar i gömmorna, och ibland händer det att vi plockar upp något först efter flera år.

Finns det exempel på detta på ”Banks of Eden”?

Ja, ”Pandemonium” är en gammal låt som Roine presenterade för oss i Agents of Mercy, men vi diggade den inte alls. Så Roine gick hem och filade på låten, och plötsligt var den kanon! Ibland räcker det med att ändra lite smått i melodin eller texten och så hör man att där är låten.

Hur funkar det i övrigt – kommer Roine med färdiga demos på låtar, eller har ni andra möjlighet att påverka?

O ja, vi har stora möjligheter att påverka, även om Roine kommer med färdiga demos. Ta till exempel ”For the Love of Gold”, som Roine hade skrivit helt färdig, men som var väldigt olik den version som nu finns på skivan. Tomas hade nämligen ett intro på lager som visade sig passa ypperligt, och så vävde vi in flera andra Tomasgrejer under låtens gång.

Har Bamse stämt er för att Tomas snor ledmotivet i sitt solo?

Ha ha ha, man får faktiskt spela parafraser på gamla kända låtar, det är helt okej! Jazzmusiker gör sånt för jämnan.

Berätta om Reingold Records.

Det började med att jag och Roine jobbade med [fusionprojektet] 3rd World Electric, och efter ett tag började vi spåna på hur vi skulle få ut skivan. Jag bestämde mig för att starta skivbolaget och Roine tyckte det var helt okej. Först var det tänkt att jag bara skulle ge ut egna grejor på Reingold Records, men så hade Lalle Larsson [keyboardist i Karmakanic och Agents of Mercy] precis blivit klar med sin första soloplatta, och han ville gärna ge ut den genom mig. Sedan har både Hasse Fröberg & Musical Companion och Johan Randén kommit med skivor på bolaget. Det är skönt att vara sin egen dräng. För varje ny skiva är bolaget startklart, alla kontakter är tagna.

Är Karmakanic på gång med något nytt?

Vi håller just nu på och mixar en live-DVD från RosFest i USA. Den är filmad med fem kameror och riktigt bra ljud. Sedan kommer kanske en ny platta 2013. Jag skriver jämt små snuttar som jag spelar in på mobilen och ibland är det sånt som man sedan kan göra låtar av.

Är Karmakanic-låten ”Cyberdust From Mars” direktsnodd från ”I Breathe” av Alexander Bard-projektet Vacuum?

Ha ha ha… ”I Breathe” var ju väldigt populär på 90-talet, men jag snodde den inte medvetet. Men det var någon som nämnde likheterna, så jag gick hem och lyssnade, och det var ju jävligt likt. Så där gör jag jämt, snor från andra låtar utan att veta om det. Karmakanic-låten ”At the Speed of Light”, innehåller exempelvis en del som är misstänkt lik ”Motherless Children” av Transatlantic.

3rd World Electric – har ni något mer på gång?

Definitivt. Både jag och Roine tycker att första skivan blev lite väl slickad, så nu ska vi göra en skitigare, rökigare platta i 70-talsfunkig stil. Vilka blåsarna blir vet vi inte än, men Morgan Ågren spelar trummor och så är det jag, Roine och Lalle.

Kommer ni att spela live?

Ha ha ha…alltså…he he he…kanske eventuellt håller vi precis på att förbereda ett gig någonstans i Sverige. Det skulle möjligen kunna ligga till på det viset!

The Flower Kings har ju spelat på Slottsskogen Goes Progressive förut, för exakt tio år sedan. Vad minns du av det giget?

Mitt tydligaste konkreta minne är vilket skönt groove vi fick till när vi repade ”Stardust We Are” under soundcheck. Det där var ju den tiden då vi spelade hela ”Stardust” live. Jag har alltid gillat Slottsskogen och jag är väldigt glad att ni är tillbaka där ni höll till förr.

banksofedencover

Vad förväntar du dig den artonde augusti?

Jag hoppas det blir varmt väder och att det kommer mycket folk som visar Felix hur kul vi kan ha det i Sverige! Vi spelar gamla låtar, men också två eller tre från ”Banks of Eden”.

Någon hälsning till publiken?

Kom med ert bästa humör och er största plånbok, för vi kommer att ha mycket merchandise att sälja!

Slutligen – vilket är progrockens bästa album?

Ojojoj…jag hatar sådana frågor! Men ska jag ta med en skiva till en öde ö blir det Yes ”Tales From Topographic Oceans”, som jag tycker är en väldigt modig skiva. Många framgångsrika band trillar i fällan att försöka tillfredsställa fansen med enkla hitlåtar, men det gjorde inte Yes.  De drog igång med den där jättekonstiga texten och mitt i alltihop ett fruktansvärt kärvt Steve Howe-solo. Skulle en marsmänniska komma till jorden och fråga vad progrock är för något, då skulle jag spela upp ”Tales”.

 

 

 

 

Intervju med Steven Wilson

Steven_Wilson_2_LasseHoile
Photo:  Lasse Hoile
Interview with Steven Wilson 6 October 2011
By Karl – Göran Karlsson

First of all I would like to congratulate you to a very fine record which I rank as the best record so far this year in the field of Artrock/Progressive Rock!

Thank you very much!

I have followed you, Porcupine Tree and a lot of all the other stuff you have been involved in through the years and I must say that this is the “proggiest” album you have ever made. There are so many influences from the music from the late 60’s and 70’s. Have you had this idea in mind for a long time or is it just recently you got the idea to do something like this?

Well, about the proggy influence I completely agree with you but personally I have problems with the notation “Progressive Rock”. I really don’t know what it means and what it stands for. If you were around at that time during the 70’s, you would have noticed that none of the bands being around then called themselves progressive rock bands. They were simply bands coming out from the late 60’s and they were largely musicians with a non-popular musical background: They were jazz musicians, folk musicians, blues musicians or classical musicians. They saw the possibilities to combine more popular music like Beatles, Beach Boys or those kind of bands with music from their own roots. And that is what we now call Progressive Rock.

That’s indeed a very wide field of music.

Yeah, there are indeed only two things that are in common for what we call Progressive Rock: 1. Dedication to the music and the album they worked with. 2. The ambition to create a new kind of musical journey or musical hybrid. Apart from that there is nothing really that can be called a typical progressive rock thing. Some people think that progressive rock was about very high quality musicianship but there are many examples where musicians very not very qualified or very skilled but who created music that still is considered as progressive rock.

Yes I think we both agree that the term denotes music from a wide variety of styles and musical ambitions. So let’s leave this subject and return to your new album.

Yes. I admit that there is a lot of references on the new album to this era of the late 60’s and early 70’s that many people call the golden age of progressive rock music. In that sense it is my “proggiest” album so far.

I am thinking very much of the King Crimson influences.

I have been working very intensely with remixing of the early King Crimson records lately. When I then came to work with “Grace for drowning” all of that music was kind of buzzing around in my head. I also grew up with that music and I love it. But I have actually never entered into a project with so much of somebody else’s music going around in my brain.

 When I first came to listen to Porcupine Tree, I got the feeling that bands such as Pink Floyd and maybe Van det Graaf Generator were your main sources of inspiration. I never thought of King Crimson. So did that kind of influences enter later in your musical Life?

There were three bands dominating when I grew up as a kid: Pink Floyd, King Crimson and Tangerine Dream. They were my absolute favorite bands. The Floyd influence in my music is probably explained by the fact that their stuff was so much easier to pastiche or emulate compared to the music of the other bands. The Floydy atmospheres were easy to recreate since musicianship is quite simple and structures are quite easy to understand. It’s all about atmospheres, in a way. With King Crimson, it is not as easy, musicianship is much more complex and actually the vocabulary is quite complex, too. It was only, really, when I started to work on their records, that I began to understand a little bit more about the vocabulary they used. The use of jazz, the use of atonality, and sometimes not particularly pretty music – then I am talking about some of their later albums. For me, this is the first time I have really explored the use of jazz. Particularly, jazz in the way it was used by the first generation of progressive rock bands. Because, it is very interesting, if you go past 1980 and look at most of the music made after that year but still called progressive, the jazz element has almost been erased. For the bands of the 70’s, this element was so important; for bands like King Crimson, Jethro Tull and for musicians like Bill Bruford who actually described himself as a jazz drummer.

 I absolutely agree. We also had a band like Camel which lots of jazzy influences.

Yeah, and Soft Machine – a band that was as much jazz as they were rock. And Van der Graaf Generator working with jazz saxophonist David Jackson (also working later with Peter Gabriel). So, I guess that I really wanted to reclaim that part on my latest album.

I am really glad about that ‘cause I liked that feature in particular and I hope to be able to hear more of that in the future.

Yes I really like jazz but it is not until now that I felt ready and comfortable enough to incorporate that element into my music. I will continue with this. I must say that I am so proud of this record and it is probably the best record I have made. It is definitely something that is here to stay for me.

OK, that brings me back to your original influences. You are basically a guitar player. Your style of playing is absolutely more influenced by David Gilmour than by Robert Fripp. Despite this you claim that you have as much of inspiration from King Crimson as of Pink Floyd. Why is that?

That’s not entirely true. In fact, it is again just a consequence that it is so much easier to play the Floydy sounds of David Gilmour than it is to play the complex stuff created by Robert Fripp. To be honest, I think I am more inspired by Robert Fripp.

 Actually, there is a portion at the end of the track “Raider II” that reminds more of Fripp than of Gilmour!

Yeah. Over the years, believe me (laugh), I have tried to pick up what I can from Robert Fripp’s stuff but it is not easy. He is a very unique player. I am not suggesting that David Gilmour is not a unique player, because he is, but it is much more easy to understand the way he plays, it’s much more standard blues scales and very straight forward. But Robert Fripp does not play anything straight forward! It is very hard to kind of understand. I think what you say is true, the Gilmourish style comes through more but actually my preference is for Robert’s play.

Another central question regarding influences is why you, born in1967 (as stated in the wonderful song “Time Flies”), ever became influenced by progressive rock music? You obviously were too young to be able to listen to it while it really occurred.

Like a lot of the kids growing up in the 80’s I had access to my father’s record collection (Note: Steve has dedicated the new album to his father who recently passed away). Even more important was the record collection of one of my best friends’ big brother. He was several years older than me and he had all these records of Hawkwind, Van der Graaf Generator, King Crimson, etc. He had the album “666” of Aphrodite’s Child which we were completely blown away with. So I kind of discovered that music retrospectably by using his and my father’s collection. My father had Pink Floyd “Dark side of the moon” and other classics from that era. So I had access to that music and it felt kind of magical to me. I was growing up in the 80’s and there was some good music (I love Joy Division, Cocteau Twins, The Cure) but it didn’t have that magic or romantic feeling that I found in the earlier music. So, I completely got obsessed by that whole era of music.

Let’s now go into some details of the new record. I absolutely adore the first and third tracks of the album, mostly because of the wonderful parts played on the piano. Since I got the promo link with very short notice, I did not know any details, e.g. I did not know which other musicians that contributed. For a moment I thought it was you playing (Steven laughing) but now I know that it is actually Jordan Rudess from Dream Theater who is playing. How did you start working with Jordan?

Well, back in 2000 (I think), Porcupine Tree toured together with Dream Theater as opening act and it was then I got to know Jordan. We got on really well. I am not really a fan of Dream Theater, it is not my kind of music, but I was really impressed by Jordan as a person and when I heard him playing the piano it was so stunningly beautiful. So I have had him playing for me a few times after that over the years.

Personally, I think the third track “Deform to form a star” is the best track on the album. It is absolutely wonderful and one of the most beautiful arrangements I have ever heard. I get some feelings from the early Porcupine Tree years. Could you tell a bit more about the song? What about the story you tell in the text?

I love the mellotron sounds. But I also love real sounds. For example, the drum sounds on this record are kind of bare and raw. The whole philosophy of this album has been to use as much as possible of the organic sounds. In a way the mellotron is very organic, even if it is what is called the very first sampling machine. It has a very organic, quirky kind of sound quality. I would almost put it alongside instruments such as Fender Rhodes, Hammon organ or Grand piano. It has that kind of golden glow that I am looking for. Besides the classical strings and choirs, I have also used lots of the mellotron woodwind sounds on the record (saxophone, flute and clarinet). I have even used some of the sounds that not so often are used, in my case the vibraphone sounds.

Another question on the sounds on the new record: From the first track of the album I recognized that you use a lot of the classical mellotron sounds. I really love that. But when I finally got the real album in my hand I realized that a lot of what I originally though was mellotron-created is indeed created with real instruments and musicians in the studio. You use both string arrangements and choirs on the record. And you gladly mix it all with the mellotron sounds. I like this very much. Is that intentional to use more and more of real arrangements rather than sampled sounds?

I love the mellotron sounds. But I also love real sounds. For example, the drum sounds on this record are kind of bare and raw. The whole philosophy of this album has been to use as much as possible of the organic sounds. In a way the mellotron is very organic, even if it is what is called the very first sampling machine. It has a very organic, quirky kind of sound quality. I would almost put it alongside instruments such as Fender Rhodes, Hammon organ or Grand piano. It has that kind of golden glow that I am looking for. Besides the classical strings and choirs, I have also used lots of the mellotron woodwind sounds on the record (saxophone, flute and clarinet). I have even used some of the sounds that not so often are used, in my case the vibraphone sounds.

About the uniqueness of the mellotron sounds, I think that for example the string sounds from the classical M400 model (very much used by bands such as Genesis) is not really sounding as real strings. There is something strange with the sound that makes you hear that this cannot be real strings. And yet, it sounds so beautiful. I guess it is this you mean by the uniqueness and the organic feeling about the mellotron sound. Do you agree?

This is exactly what I mean. Another example is the mellotron flutes being now famous ever since they were first used on the Beatles song “Strawberry fields forever”.

Now a question of another track of the album, “Belle de jour”. It is a very different track dominated by some beautiful playing on acoustic guitar. It reminds me very much of the sounds you sometimes can hear from the Polish guitarist Mariusz Duda from the band Riverside. On his solo project Lunatic Soul II (actually also signed for KScope Music) there is a beautiful song called “Gravestone Hill” and this resembles very much what you can hear on this track “Belle de jour”. Do you have any cooperation or contact with Mariusz Duda?

I am afraid that I do not know who you are talking about. I do know that Lunatic Soul is one of the KScope bands but I have no particular cooperation with any of the musicians there. Actually, I am not listening very much to music from today. I prefer the music from the 70’s. I have the opinion that this music can never be “bettered”! So in that sense I am unfortunately kind of ignoring what is going on right now (which maybe is not ideal).

So, obviously Mariusz is more inspired by your work and style of playing than the other way around. Another musician from the 70s but one that is still alive and kicking today is Steve Hackett (one of my personal favorites). I noticed that he is playing the guitar on your track “Reminder of the Black Dog”. But what I am curious about is that you actually appear to have used a similar rhythm section on the second track “Sectarian” that is used on Steve’s album “Voyage of the Acolyte (from 1975) Are you familiar with this?

Yes, yes, well done! You are absolutely right! It’s strange, you are the first person so far that has spotted this! I even confronted Steve (a very good friend of mine) with this passage of my track and asked him whether he recognized something particular. Luckily he didn’t but you are absolutely right, I was inspired by absolutely this rhythm use by Steve on his debut album.

A final question on the new album: The last track “Like dust I have cleared from my eye” is again a song that reminds me of the beautiful songs from the early Porcupine Tree years. But what is most striking is the very last portion of the song. An instrumental part where the sounds just kind of floats away in space. It’s absolutely beautiful and makes such a perfect end of this record. What were your thoughts when creating this?

Yes there was a real intention with this ending. I very much want to have a certain flow on an album and this means that it really means a lot how the different parts on an album sound. I really wanted that the album kind of just slowly should fade away, creating pictures very much like a slowly setting sun. So, yes, this was intentional. It is interesting to hear your references to the early Porcupine Tree records. These were also solo albums and now I am kind of coming back to the solo projects again.

But I hope there will still be more from Porcupine Tree?

Yes, we hope to come together again in the beginning of next year to record a new album. But I am glad for this break to work with my solo project since I thought that we were kind of reaching some stagnation on the previous Porcupine Tree album. So there was a need for a break.

 Before ending this interview I am just curious to hear some more details about your ongoing cooperation with Mikael Åkerfelt from Opeth. I heard that there is even a special project started between you and Mikael under the project name Storm Corrosion. Could you tell a little bit more about this?

Yes, we are actually ready with an album now. I just finished the mixing recently. It is pretty much a work just by the two of us but there is lots of orchestral stuff and other arrangements. It is a very beautiful, surreal and strange record! It will be released sometime next spring. If you have heard Opeth’s “Heritage” (a really beautiful album where I contributed with the mixing) and my own “Grace for drowning” you will find this new record as a natural extension.

Thank you very much for this very interesting interview and good luck with all your future projects!

It’s been a pleasure.

Steven_Wilson_1_LasseHoile

Photo:  Lasse Hoile

Göran Karlsson (2011)

 

Intervju med Mick Box, Uriah Heep

artrock_srf09_uriah_heep_1
Foto: © Artrock.se / Sweden Rock Festival
Intervju med Mick Box, Uriah Heep.
av Daniel Reichberg

Gitarrist, låtskrivare, levande legend och – filmstjärna. ArtRock samtalar med Mick Box, Uriah Heep

Förra gången fick vi vänta hela tio år, nu räckte det med tre. Det är ett energiskt Uriah Heep vi har att göra med, mer än fyra decennier efter starten. Den genomklassiska orgelhårdrocken med de så välbekanta körstämmorna och stundom mystikfyllda stämningarna – ”Into the Wild” är Uriah Heep så som gruppens anhängare lärt sig älska dem. Inspelningarna skedde så som på förra ”Wake the Sleeper” med de fem musikerna livs levande live i studion; läs vidare vad bandgrundaren och blivande filmstjärnan Mick Box har att förtälja.

Hahaha, du vet att det var aldrig vårt fel i bandet att “Wake the Sleeper” tog sån tid, utan allt hade att göra med branschen som befann sig i fritt fall. Skivbolagen visste inte vad de skulle göra åt all fildelning, vissa bolag bara försvann. Den här gången var det annorlunda, vi började skriva bara två och en halv månad innan vi gick in i studion, och ett par av låtarna skrev vi i själva studion, jag och Phil Lanzon, över en flaska vin, när de andra gått hem.

Vilka av låtarna?

“I’m Ready” och “Into the Wild”. Grabbarna kom in i studion vid trettontiden, vi visade upp låtarna tryckte in inspelningsknappen och så PANG! Det ger en stor fräschör att göra så. Man hinner inte hålla på och sjåpa sig om att “ska jag göra si eller så”.

När jag pratade med dig i samband med “Wake the Sleeper” sammanfattade du inspelningarna med ordet smile.

Samma nu. Det går inte att undvika leenden när man jobbar med en så entusiastisk producent som Mike Paxman. Han verkligen drar det bästa ur en. Vi har redan funderingar kring nästa skiva.

Jaså, en ny på gång redan nu?

Ja, det finns inte en tanke på att vi INTE skulle göra en till. Men det är klart, på måndag åker vi till Australien, sedan blir det två månader på europeiska kontinenten, sex veckor i Nordamerika och så tillbaka till Europa i september, då vi hoppas få in ett gäng datum i Norden, så det dröjer nog ett tag innan vi hinner in i studion.

Är jätteturnerandet lika kul nu som när du var yngre?

Absolut. Det enda tråkiga är att inte kunna vara hemma när familjen blir sjuk. Men min fru håller samman familjen på ett underbart sätt, vid sidan om sitt jobb som advokat. Min fru är en riktig klippa. Och så hinner vi faktiskt vara hemma en hel del mellan varven. Jag tar av rock n rollhatten och sätter på pappahatten!

Några ord om låtarna på ”Into the Wild”. ”Nail on the Head” är en effektiv öppning.

Ja, vi tror låten kommer att passa ypperligt för allsång.

Vad handlar ”Into the Wild” om?

Temat kommer från en bok som blev film, om en kille som stack ut i djungeln och förverkligade sitt drömliv. Det är vår ambition att sprida ett positivt budskap.

”I Can See You” låter som ”So Tired” del två.

Det kan man säga. Låten är som en bugning inför vårt förflutna, med en text om hur vi kan känna närvaron av de döda.

Som i ”Between Two Worlds” alltså?

På sätt och vis, men där var det mer att två världar möts; här handlar det om känslan av de dödas närvaro. Idén fick jag när min mamma dog, och sedan min svärmor.

”Trail of Diamonds” är ett riktigt epos.

Det var inte tanken från början. Låten skulle haft normallängd, men sen antog den sitt eget liv och började dra åt alla möjliga håll. Texten beskriver en dröm om kärlek och godhet, och hur man inte vill vakna så länge drömmen ännu pågår.

Sedan finns en låt som nästan kan kallas pop – ”T-Bird Angel”.

Ja, den är lite ovanlig för att vara vi. Kan nog tilltala AOR-fansen.

Jag hörde att du spelar på John Wettons kommande soloalbum.

Riktigt! Uriah Heep och Asia har samma management, så det var enkelt för John att få tag i mig. Plattan spelade han in i Los Angeles, men jag gjorde mitt solo i Heeps vanliga studio. Det sägs att John ville ha mig för att jag kan spela solon i dur, medan alla andra bara spelar i moll!

Vad heter låten?

Å gud…vad heter den nu igen? “New Star Rising” eller något i den stilen.

Apropå ex-medlemmar, har du någon kontakt med John Lawton?

John Lawton är den ex medlem jag träffar oftast. Senast skulle han spela med i en film där de ville ha en riktig karaktär och så ringde de mig. Jag och han spelar två personer som var med i samma band på 70-talet.

Alltså som i verkligheten…

Ja, fast fel band, hahaha! Det är Miramar som gör filmen som får premiär 1:a april.  Den heter ”love.net” och du kan kolla YouTube efter trailers. Jag spelar riktigt dåligt. John har förresten blivit kändis i Bulgarien där han är värd för reseprogram. Vi spelade ihop där på nyårsafton.

Och Pete Goalby?

Pete är kvar i branschen, men har slutat sjunga. Vi pratar i telefon ibland, men sedan har han en tendens att försvinna igen. Jag respekterar hans privatliv.

Ken Hensley?

Något mail då och då, i affärsangelägenheter. Han känns rätt fjärran från Uriah Heep nuförtiden, och sanningen är att vi inte var särskilt bra vänner heller när han var med. Ken brukade ha sitt eget lag omkring sig med egna managers och ja-sägare. 

Vilken har varit Uriah Heep-karriärens höjdpunkt hittills?

Det måste ha varit första gången jag hörde ”Gypsy” i bilstereon. Jag blev så upphetsad att jag kunde ha orsakat en trafikolycka. Ville berätta för alla jag kände! Sedan får jag nämna spelningarna i Sovjetunionen 1987, då vi var det första västband att göra stora gig där borta. Vi var pionjärer i Bulgarien och Syd-Korea också.

…och lågvattenmärket?

Att David Byron och Gary Thain dog. Alla andra bekymmer vi haft har man kunnat handskas med, men deras frånfällen är något som gör mig bedrövad fortfarande, efter alla dessa år. Man får vara glad att det fortfarande finns unga musiker som låter sig inspireras av David och Gary. 

Kommer du att skriva dina memoarer?

Faktum är att förlag tjatar på mig att göra det, och så blir det kanske också. Men jag kommer INTE att skriva en massa om supande och knarkande, för sånt är jag fruktansvärt less på. Det verkar som om artister vill bikta sig genom att berätta om sina grisiga liv. Ska jag skriva, blir det en lättsam och kul bok, även om väl förlaget vill ha sensationer.

Slutligen – hur känner du när du ser den knasiga ödlan på omslaget till ”Innocent Victim”?

Hahaha – varken oskyldig eller som ett offer! Något många inte vet är att tanken från början var att placera vår scen i ödlans mun och sedan ha ljusshowen uppe i hans gröna ansikte. Nu blev det inte så, men ögonen är Lee Kerslakes. 

Daniel Reichberg ”2011”.

 

 

 

 

Intervju med Anthony Rondinone, Jolly

jolly_logo
Interview with Anthony Rondinone, Jolly in february 2011.
By Conny Myrberg.

In what way has your musical focus changed since your debut “Forty-Six Minutes, Twelve Seconds of Music” when compared to it?

It’s more evolved, than changed, we’ve added components to an existing foundation. I think since 46:12, one of the most notable differences would be that we incorporated more groove and harder riffs. We tried to create more movement on The Audio Guide to Happiness. Just because people consider us a form of prog, doesn’t mean we want people to look like they are solving math problems when they come watch us, we wanted to incorporate sections that allow people to move and have fun when they listen, as well as have those deeper, introspective moments. Also, with this album there was more experimenting with different sounds in production which gives this album more characteristics.

What was it that made you decide to sign a contract with the record label InsideOut Music?

Well they are a well-known and respected label in the genre that we have
been associated with which is obviously a selling point. Also, we met with Thomas Waber from InsideOut when we were on tour with Riverside and Pure Reason Revolution, and we had a very promising conversation with him about JOLLY’s future with the label and where he sees us, it actually made it a pretty easy decision and so far we’ve been happy with them.

I’m very interested in layouts and logo creations, what was the inspiration behind yours and who is the creator?

The layout for this album feels like a textbook in some ways. The cover is unapologetically bold, the inside is straightforward and to the point, It’s also very clean and sleek. Drummer/Producer Louis Abramson did the design of this album, he worked very hard to get everything perfect and we think it looks great. It fits the Feel of the Audio Guide and everything it’s about perfectly.

When I listen to The Audio Guide Of Happiness ”Part 1”, I sense a touch of arena rock with some progressive elements, kind of like bands like Muse. Is it a goal of yours to reach the big arenas or do you prefer the smaller and more intimate stages?

I don’t want to speak for the rest of the guys, but I would love to play in a giant arena. I think our sound and style lends it’s self to that sort of venue. Don’t get me wrong, I love playing in smaller places, there’s something very personal about it, but we got a taste of playing larger venues when we were with Riverside and it’s like a drug in the sense that I think we’re just going to want larger and larger crowds moving and singing along to what we are playing. There’s no other feeling like it, unless you’re Charlie Sheen of course.

From where did you get the inspiration for the lyrics of The Audio Guide Of Happiness ”Part 1” and ”Part 2” which according to InsideOut is in the Pocket Pac on the first?

Well InsideOut is not lying, we did include the lyrics to part 2 in the liner notes of this album, we hope you enjoy reading them without music. The lyrics are inspired by almost everything and anything and sometimes nothing at all. We have a pretty interesting lyric writing process, I do not want to give away all of our secrets yet. Maybe in the future we will discuss meaning a little bit more, but for now I would like to let the listeners find their own meaning in these lyrics. It’s a very introspective album and I believe people listening will be able to take away their own meaning that will help them in their situation.

The music for ”Part 2”, when is it planned to be released and why didn’t it become a double album?

We didn’t want to release both albums at the same time because we wanted you to become familiar with part I first. We thought it would be a bit much to give you the whole thing at once. It’s a lot to take in.

Will the music concept differ in ”Part 2” compared to ”Part 1”?

The concept is the same; it’s still part of the Audio Guide-  There are, however, styles and sounds on Part 2 that are not on Part I. Because it’s a four-phase process, Part 2 containing the 3rd and 4th phase, these will have some different styles because it is further along in the progression, bringing the listener closer and closer to happiness.

The melodic track ”Joy” should, according to me, be able to reach successful list placements – how has it been going with being aired on the radio?

Someone actually recently sent us a message on Twitter saying they put a preview of the album on their station and said they got some good response to it, I don’t know how Joy in particular is doing. If anything it would be on air in Europe and I don’t have a European radio so unfortunately we don’t get to hear if it’s played. We have the same hopes though; I think Joy among a few other songs on the album would do well on the radio. That’s where you come into play, maybe one of your readers is a DJ and will want to play our album over and over on the radio after reading this!

The track ”The Pattern”, with its absolutely magnificent drive, seems to be a song made to be performed live – are those factors that you consider when you compose your material?

Absolutely, I think I mentioned this earlier; we wanted some parts of this album that just moved and had groove and energy. This riff was actually made to do just that and we hope it’s working! So far we’ve gotten a really good response to that song and we’re very happy about that. I actually would like to thank all the fans that have posted feedback about this song and the album in general, we really appreciate all of it.

How does a song come to you normally, when you count in everything from the first idea to the finished track? Take ”Storyline” for example, which is also one of my personal favorites.

Oh well thank you! That song from what I remember started out as Joe playing that chord progression and Anadale just singing a melody over it which sounded really nice and we all liked it. Louis started playing a funkier/groovier rhythm and that’s what I started to follow with the bass line. That was the foundation of the song, usually we start with some sort of foundation like that, then as we work on it more and more things get added, and as we start recording and Louis starts to work his production magic, the songs takes on a new life that’s bigger then the 4 of us. We usually start out with a base of a song, then it gets JOLLY-fied and we have the end result, it’s a pretty interesting process.

You guys have been touring with both Riverside and Pure Reason Revolution, who both have a pretty dark visual image on stage (at least when I’ve watched them perform), how would you like to describe yours?

Those guys are the Queen’s tits by the way (that means they are awesome, it’s a popular British saying). I guess I would say we’re pretty dark as well.

A lot of bands are not particularly keen on being categorized within one musical genre or other, like neoprog for example, but if you have to choose one then where would you place yourselves?

Probably Post modern updated classic contemporaryism, but what it used to be, it’s changed now.
How does Sarcasm translate in Sweden?

(Almost the same “Sarkasm”)

After a few record releases a lot of bands usually have live DVD’s following, are there any plans of doing that and will we be able to watch you live in Europe this year?

I certainly hope we will be able to play live in front of you in Europe this year, we’re looking for opportunities to come back of course. We had a great time last year when we were there and we want to return.
As for DVDs, we’ve talked about something like that, who knows what the future holds
. Just be ready.

Is there a dream artist/band of yours that you would like to perform with or have as guest performers on your upcoming albums?

I would have liked to play bass with Michael Jackson if he were still around. I can imagine playing that sort of show and with such a talented musician that would have been a lot of fun.

And on a last note I’d like to thank you for your time and I will be waiting with excitement on The Audio Guide Of Happiness ”Part 2”.

Thank you too! I’m glad you liked Part I, that means a lot. We can’t wait until people have the full collection! Take care.

Anthony_jolly_Interview

Intervju med Doug Aldrich, Whitesnake

Doug_Aldrich_SwedenRock2008

Foto: ©  Artrock.se / Sweden Rock Festival 2008

 

Intervju med Doug Aldrich, Whitesnake, februari 2011.
Frågeställare Daniel Reichberg.

Det har redan gått nästan nio år sedan den före detta Dio-gitarristen Doug Aldrich anställdes av rocklegenden David Coverdale som gitarrist och låtskrivarpartner i lika legendariska Whitesnake. I mars ringlar ormen åter in i CD-spelarna, denna gång med ”Forevermore”. Tre månader senare uppträder ensemblen på Sweden Rock Festival i Blekinge.
ArtRock har talat med Doug Aldrich om nya skivan, samarbetet med åldermannen Coverdale och andre gitarristen Reb Beach, relationerna till före detta medlemmar och slutligen några ord om förlusten av Ronnie James Dio. Umeå icke att förglömma!

När jag intervjuade David Coverdale i samband med förra Whitesnakeskivan ”Good to Be Bad” frågade jag om det skulle komma ännu fler Whitesnake-album. David svarade då att ”orkar jag skriva låtar i ett år till?” och ”orkar jag med pressen?”. Likafullt – i mars kommer ”Forevermore”. Vad fick David att ändra sig?

Jag vet faktiskt inte riktigt, men jag är jätteglad att han gjorde det. Kemin oss emellan är fantastisk och låtarna kommer på ett helt naturligt vis. Mycket organiskt. Dessutom har vi skrivit på för Frontiers Records, där vi verkligen känner oss som hemma.

Den gången hintade David att ni kanske skulle släppa låtar för nedladdning kontinuerligt för att sedan samla ihop allting på ett officiellt album…

De tankarna fanns nog kvar, men skivkontraktet stoppade dem. David är vad vi på engelska kallar en ”dynamo” av konstant nya idéer. Han funderar ständigt på hur vi ska föra ut vår musik. Det som hände var att vi kom hem från turnén 2009 och innan vi visste ordet av var vi i studion igen och jobbade på nytt material.

Första textraden på skivan lyder ”I’m going back to the place I was born”. Funderar han på att flytta hem till England?

Jag tror inte det. En del av David är väldigt brittisk, men han är också amerikansk medborgare och genom sin familj väldigt fäst vid Lake Tahoe i Nevada, där han bor. Sedan är han tokig i gamla westernfilmer med John Wayne och Clint Eastwood, och nu bor David i precis en sådan miljö

När jag hör ”Love Will Set You Free” går tankarna till den gamla Whitesnakelåten ”Hot Stuff”…

Aaaahhhh…hey…ha-ha-ha, det kan inte hjälpas, men jag älskar de där tidiga Whitesnakelåtarna! ”Hot Stuff”, ”Ready an’ Willing”, ”Wine, Women and Song”… Även titellåten på ”Good to be Bad” är en bugning inför klassiska Whitesnake. ”Walking in the Shadow of the Blues”… Det är ett sånt coolt groove i de gamla låtarna. Jag menar, Ian Paice är en av de största.

Sedan har vi den långa, episka ”Forevermore”.

Det var aldrig tanken att den skulle bli sådan, men så utvecklades den åt det hållet. Jag älskar låtar som tar dig till en helt annan plats än där de började. Whitesnake har gjort en del sådana under sina år, till exempel ”Sailing Ships”. ”Forevermore” satt jag och skrev medan jag vaggade min lille son. David tyckte att vi kunde vara nöjda med de tolv låtar som var klara, men jag tiggde att vi skulle ta en till, och det blev ”Forevermore”, vilken David satte på första tagningen i studion! Jag kände mig helt bortblåst. Vilket geni! Det finns förresten en akustisk version av låten som jag älskar ännu mer. Men trummisen älskar den inte, eftersom han inte är med!

Vad skiljer ”Forevermore” från dess föregångare ”Good To Be Bad”?

Dels tycker jag den är mer varierad. Musikaliskt är David öppen för väldigt mycket. Skulle jag föreslå banjo till en låt, så skulle han svara ”kör till”. Det finns sexlåtar, men också låtar om saknad. Men framför allt är albumet en riktig bandskiva. Särskilt Reb Beach är mycket mer delaktig med sitt fantastiska gitarrspel och sin underbara röst. På förra skivan hände det att Reb spelade in sina solon hemma i Pittsburgh och sedan mailade dem till David. Den här gången var vi allihop hemma hos David i Lake Tahoe.

Händer det att du och Reb bråkar om vem som ska ta vilket gitarrsolo?

Aldrig. Förr var jag ganska överbeskyddande över mina egna delar, solon men framför allt komp. Ville gärna att det skulle vara exakt som jag skrivit. Men så kom Reb in i studion och verkligen brann genom gitarren, så jag lät honom spela exakt vad och när han ville! Ta till exempel ”Dogs in the Street”, där vi från början skulle ha delat på gitarrspelet, men så var Reb så jäkla bra att jag inte ville in och tävla.

Hur skulle du beskriva skillnaderna mellan dig och Reb?

Olika känsla, olika attack. Han är mer skolad än jag, har gått på Berkeley College of Music. Han kan så mycket om harmonilära. Jag trodde mig ha skrivit en perfekt sångstämma till ”Forevermore”, men så kom Reb in och visade en mycket bättre. Som solist är han inne på tapping och svajarm, en sorts Steve Vai/Eddie Van Halen/Jimi Hendrix-musiker. Själv är jag mer influerad av sådana som Michael Schenker och – må han vila i frid – Gary Moore.

Var du ett Whitesnakefan innan du själv blev medlem?

Ja, absolut! 1985 gick jag med i ett band som hette Lion, vars sångare Kal Swan var ett enormt David Coverdale-fan. Kal presenterade mig för ”Ready an’ willing”- ”Come an’ Get It”- och ”Love Hunter”-plattorna, vilket var fantastiskt, för här i USA trodde folk att ”Slide it In” var den enda skivan som fanns. ”Ready an’ willing” – vilken bad-ass-låt! Och ”Hit an’ Run” – jag ÄLSKADE den! Jag är väldigt imponerad av att David gick vidare och bildade något genuint eget istället för att ta den enklaste vägen, vilket hade varit att bilda ett Deep Purple-klonband.

I vår/sommar blir det ännu en turné, som bland annat når Sweden Rock Festival. Vem kommer att spela klaviatur?

Just nu letar vi efter journalister som kan spela keyboards och sjunga! Skämt åsido, så har vi en lista på folk vi är intresserade av. Själv skulle jag gärna ta tillbaka Timothy Drury, om han har möjlighet.

Varför hoppade Timothy av från Whitesnake?

Tim är en oerhört upptagen man. Jobbar med multimedia, fotograferar, ger ut new age-musik och skriver låtar tillsammans med Don Felder från Eagles.

Ni kanske kunde ragga upp Jon Lord?

Sluta skämta – jag skulle ÄLSKA det! Jon är alla tiders främsta rockkeyboardist och jag hoppas han sitter i ett slott och aldrig mer behöver arbeta.

På Sweden Rock-spelningen kommer ni att ha en del gästmusiker. Jag inser givetvis att du inte kommer att avslöja vilka det blir, men hur ser Davids relation idag ut till gammelgubbar som Micky Moody och Bernie Marsden?

Numera är David vän med dem igen. Snackar med Bernie då och då. Själv känner jag Bernie sedan en tid. Härlig kille och en av de bästa bluesrockgitarrister som finns. Jag skulle gärna dela scen med vem som helst av de gamla medlemmarna, för de är rockkungligheter, hela högen.

För tre år sedan talade David om att ge sig ut på akustiska turnéer med lågmälda versioner av låtarna och chans för fansen att ställa frågor.

David är verkligen bra på sånt. Jag tror säkert det kan bli så i framtiden, och blir jag tillfrågad ställer jag upp direkt. Det vore kul att prova på olika gitarrstämningar, ungefär som Jimmy Page, Stephen Stills och George Harrison.

Slutligen ett par frågor på temat Ronnie James Dio. Hur kändes det när du fick budskapet om hans död?

Det var en chock. Man visste ju att han var sjuk, men när jag såg att Heaven and Hell spikat livedatum 2010 blev jag jätteglad, för då trodde jag att Ronnie besegrat cancern. Jag fick ett första besked när jag var på en gitarrfestival i Bologna med George Lynch, Yngwie Malmsteen och Glenn Hughes. Det kom ett sms från Dio-keyboardisten Scott Warren om att han ville ha tag i mig. Jag ringde upp och Scott berättade att Ronnie ville träffa mig en sista gång. Jag ringde omedelbart min fru och sa åt henne att ta vår son och sticka hem till Ronnie på stubben och berätta att vi alla älskade honom. Min fru gjorde det, men själv satt jag tyvärr på planet när Ronnie dog. Jag fick aldrig chansen att säga adjö. Och nu efteråt har samma sak hänt med Phil Kennemore i Y&T och med Gary Moore, en av de mest passionerade gitarristerna någonsin…

Finns det kvar något outgivet material med dig och Ronnie tillsammans?

Jag hittade faktiskt en låt här hemma, där Ronnie sjunger, spelar gitarr och bas. Jag tror han programmerade trummaskinen också, eller är det Simon Wright som spelar? Minns inte riktigt, men det är en gastkramande låt, där Ronnie ville att jag skulle spela solo.

Kommer låten att ges ut?

Allt ligger i Wendy Dios händer. Hon är en klippa på att hålla Ronnies minne vid liv. Andra skulle ha sugit ut varje dollar, men Wendy ger bara ut bra saker som hon vet att de riktiga fansen verkligen vill ha.

Från sorgerna till framtiden – vad finns bortom Sweden Rock Festival?

Whitesnake kanske kommer på turné till Sverige i höst. Stockholm, Göteborg, Malmö… Vet du vad? Förra gången vi var i Sverige fick jag ett nytt favoritställe, en stad som heter Umeå! Så jävla häftigt ställe. Underbart vackert bredvid floden och så kör alla Chevrolet och Ford Mustang.